Les Sept Péchés capitaux

DISTRIBUTION

Texte : Bertolt Brecht.
Musique : Kurt Weill.
Direction musicale : Benjamin Levy.
Mise en scène : Jacques Osinski.
Avec l'Orchestre Pelléas.
Avec Nathalie Pérez (Anna 1), Noémie Ettlin (Anna 2), Guillaume Andrieux (le père), Florent Baffi (la mère), Manuel Nuñez Camelino (frère 1), Camille Tresmontant (frère 2).
Scénographie et vidéos : Yann Chapotel.
Lumières : Catherine Verheyde.
Costumes : Hélène Kritikos.
Dramaturgie : Marie Potonet.
Production : compagnie l’Aurore Boréale.
Coproduction : Théâtre de Caen, Orchestre Pelléas, Orchestre Régional de Normandie.
Coréalisation : Athénée Théâtre Louis-Jouvet.
La compagnie L’Aurore Boréale est subventionnée par la DRAC Île-de-France, avec le soutien de la Région Île-de-France et de la Ville de Paris.

Brecht et Weill en Louisiane. Sur l’éternelle trame de la jeune fille inno­cente que la société va cor­rompre, Brecht et Kurt Weill pro­po­saient en 1933 une vari­a­tion aus­si neuve que grinçante qui allait devenir un clas­sique. Voici l’héroïne dev­enue deux sœurs… « Poussée par Anna 1, Anna 2 évite cha­cun des péchés pour en com­met­tre d’autres bien plus mon­strueux avec la béné­dic­tion de tous », résume le met­teur en scène Jacques Osin­s­ki. C’est à la jeune mez­zo-sopra­no Natal­ie Pérez qu’il a con­fié ce dou­ble rôle, dans un road­trip au Mis­sis­sip­pi qui est aus­si le réc­it « du rêve et des com­pro­mis­sions aux­quelles on cède pour l’atteindre », et qui n’a aujourd’hui rien per­du de son inso­lence et de son mordant.

Notre avis : Quel bon­heur ! Quel immense bon­heur de retrou­ver le chemin des théâtres ! Renouer, enfin, avec le spec­ta­cle vivant, se laiss­er immerg­er à nou­veau dans le son qui sur­git depuis la fos­se d’orchestre, sen­tir les vis­ages et les corps de chair et de sang des artistes à portée de main, et s’abreuver ensem­ble de cul­ture et d’émotions.

Comme sou­vent, l’Athénée met à l’affiche une œuvre qui sort des sen­tiers bat­tus en puisant dans le reg­istre grinçant. On se sou­vient, dans des nuances dif­férentes, du Tes­ta­ment de la tante Car­o­line, des Enfants ter­ri­bles, de The Impor­tance of Being Earnest…

Les Sept Péchés cap­i­taux, créé au moment où Weill s’arrête à Paris avant de pour­suiv­re son exil, s’inscrit dans la lignée des deux œuvres précédem­ment com­posées avec Brecht : L’Opéra de quat’ sous et Grandeur et déca­dence de la ville de Mahagonny. On y retrou­ve une cri­tique acerbe de la société de con­som­ma­tion cap­i­tal­iste et de la déshu­man­i­sa­tion de la société sur une musique expres­sion­niste qui explore les dis­so­nances et s’appuie sur des formes con­nues pour mieux les déformer. Encadrés d’un pro­logue et un épi­logue, sept tableaux passent en revue un à un les péchés cap­i­taux de la reli­gion catholique en met­tant en sit­u­a­tion deux sœurs toutes deux prénom­mées Anna – à moins que ce ne soient les deux facettes d’une même jeune femme – par­ties chercher for­tune sur les routes des États-Unis. Après s’être adon­nées à tous les vices avec plus ou moins de bonne con­science, elles finis­sent par ren­tr­er chez elles, en Louisiane, où les atten­dent leur famille – un père, une mère et deux frères –, qui com­mente à dis­tance la déchéance pro­gres­sive et cer­taine des demoiselles.

Conçue comme un « bal­let chan­té » à numéros, l’œuvre pose au moins deux ques­tions au met­teur en scène. Quelle place accorder sur scène à cha­cune des deux Anna (la chanteuse et la danseuse) ? Et com­ment installer une nar­ra­tion de bout en bout qui donne de la cohérence à l’ensemble ? Jacques Osin­s­ki a opté pour une présence sur le même plan des deux Anna, faisant même danser – de façon con­va­in­cante et à plusieurs repris­es – la chanteuse. Mais l’aspect décousu du livret demeure irré­solu : on passe d’un péché à l’autre sans tran­si­tion vrai­ment con­va­in­cante. L’ajout ici et là de trois mélodies en français com­posées par Weill lors de son exil à Paris – La Com­plainte de la Seine, Je ne t’aime pas et Youkali – vient étof­fer l’atmosphère sans l’enrichir vrai­ment. Quoique sur des thèmes musi­caux mag­nifiques et sur des paroles à vous faire dress­er les poils, et même si on a énor­mé­ment de plaisir à les enten­dre – Youkali avec orchestre dans un arrange­ment d’Arthur Ouvrard, quel cadeau ! –, elles dis­ten­dent encore un peu plus le fil nar­ratif de la soirée.

Le dépouille­ment du décor – un échafaudage de métal au cen­tre, une table à manger au fond pour la famille, un ves­ti­aire à cour pour les change­ments des Anna – ne con­stitue pas un hand­i­cap tant il souligne le car­ac­tère urbain et pro­gres­siste de l’œuvre. En revanche, l’utilisation de la vidéo qui défile au-dessus du cadre de l’action pour, sem­ble-t-il, habiller et ani­mer la scène se révèle peu con­va­in­cant. Car, en dépit de qual­ités irréfuta­bles – leurs rythmes, leurs couleurs, leurs vari­a­tions, leur pou­voir d’illustration, leur humour même… –, les images attirent inévitable­ment le regard, comme pour l’empêcher de se pos­er sur les deux actri­ces prin­ci­pales, dont on aurait aimé qu’elles soient par­fois dirigées de façon plus fouil­lée, leurs inten­tions plus poussées, les man­i­fes­ta­tions de leur âme plus exacerbées.

Car les pro­tag­o­nistes s’accordent déjà mag­nifique­ment bien. Avec un joli tim­bre clair et sans effort, une artic­u­la­tion par­faite et sa stature, Nathalie Pérez campe à mer­veille une sœur aînée sournoise et manip­u­la­trice, qui n’a pas besoin de hauss­er le ton ou de grossir sa voix pour pouss­er au vice l’autre Anna – la danseuse Noémie Ettlin –, plus naïve, plus prompte à être la vic­time, mais plus à fleur de peau, et dont la résis­tance voudrait s’exprimer.

Le quatuor d’hommes – oui, la mère est chan­tée par une basse ! –, que Weill utilise à la manière d’un chœur antique, incar­ne très juste­ment, habil­lé comme des Deschiens, cette famille de bons à rien hypocrites.

Dans sa réduc­tion pour quinze musi­ciens et portée par l’orchestre de cham­bre Pel­léas et son chef Ben­jamin Levy, la musique de Weill ne perd rien de son ironie, de sa noirceur, de son tran­chant, de sa force à bous­culer, de son espoir vibrant, de sa grandeur à s’imposer. On la reçoit comme un élec­tro­choc, comme une décharge de réan­i­ma­tion, comme le rap­pel de notre présence retrou­vée dans une salle de théâtre. Car la cul­ture, le spec­ta­cle vivant, a pour ver­tu cap­i­tale de nous réveiller et d’aigu­is­er notre capac­ité à y voir clair. Pour cela, merci !